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SUMMARY:Il Sabato del Collezionista - Mostra Mercato giocattolo vintage
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SUMMARY:Liminal: between reality and the virtual” & “When the earth speaks from Texas to Milan
DESCRIPTION:La galleria presenta una stimolante doppia esposizione: \n“Liminal: between reality and the virtual”: Una mostra collettiva che esplora il confine tra realtà e virtuale attraverso la fotografia\, le creazioni digitali e l’uso dell’intelligenza artificiale\, con opere di artisti come Anne Avaux\, Carme Gotsens\, Boxados Ruiz\, Oriol Puigdomenech\, Giorgia Art\, Antonio Aguirre\, Dimitrios Paterakis\, Incertagloria\, Mireia Norberto e Arnau Tasies.\n“When the Earth Speaks from Texas to Milan”: La personale dell’artista Marjorie Parker\, che porta in galleria i suoi intensi scatti incentrati sui suggestivi e lontani paesaggi texani
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SUMMARY:Milan Art Exhibtion
DESCRIPTION:Come tutti gli anni l’organizzatore riunisce artisti di varia provenienza (Corea\, Giappone\, Slovacchia\, Germania\, Italia\, Francia) che accompagna in un percorso espositivo che vede le proprie tappe a Roma\, Firenze\, Milano e Venezia. \nUna formula questa che trova riscontro da parte degli artisti che hanno l’opportunità di conoscere nuove estimatori del pubblico che ha l’opportunità di entrare in contatto con linguaggi artisti anche molto lontani dalla nostra tradizione.
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SUMMARY:La cultura nuoce gravemente all’ignoranza: a Napoli la Biennale del Libro d’Artista si fa tascabile
DESCRIPTION:“La cultura nuoce gravemente all’ignoranza”: a Napoli la Biennale del Libro d’Artista si fa tascabile\nVenerdì 25 settembre\, ore 18.00\, il vernissage della Pocket Compact Mini Book Edition negli spazi di Lineadarte Officina Creativa. Oltre 90 artisti da cinque continenti\, in mostra fino al 19 ottobre. \nNapoli\, settembre 2026 – C’è un’avvertenza che di solito si legge sui pacchetti di sigarette\, e Lineadarte Officina Creativa l’ha rubata e riscritta a modo suo: “La cultura nuoce gravemente all’ignoranza”. È il titolo\, e insieme il manifesto\, della nuova edizione della Biennale del Libro d’Artista\, che venerdì 25 settembre alle ore 18.00 apre le porte del suo spazio storico di Via San Paolo 31\, nel cuore del centro antico\, per il vernissage della Pocket Compact Mini Book Edition. \nNon è un’edizione qualunque. Dopo diciotto anni di formati generosi e opere che spesso occupavano intere pareti\, la Biennale ideata e curata da Giovanna Donnarumma e Gennaro Ippolito si mette in tasca. Letteralmente: la mostra raccoglie mail art\, fanzine\, libri unici\, libri oggetto\, libri silenti\, poesia visiva\, ebook\, quaderni d’artista e scatole d’artista\, tutti pensati per stare nel palmo di una mano invece che dietro una teca. Un esercizio di sottrazione che\, spiegano i curatori\, non toglie nulla al linguaggio del libro d’artista: lo obbliga solo a dire tutto con meno spazio a disposizione. \nA rispondere alla chiamata sono stati oltre 90 artisti provenienti da cinque continenti – tra Italia\, Brasile\, Spagna\, Stati Uniti\, Irlanda\, Ungheria\, Francia e Polonia – insieme a un gruppo di giovani autori: gli studenti della 3ªC del Liceo Artistico Enzo Rossi di Roma\, coordinati dalla professoressa Cristiana Maria Pompei\, che portano in mostra il loro primo confronto con il formato tascabile. \nLa Pocket Compact Mini Book Edition non è un episodio isolato nel percorso della Biennale\, ma una tappa di avvicinamento alla sua VIII edizione\, prevista per il 2027: un laboratorio in piccolo formato per misurare la tenuta di un linguaggio – quello del libro d’artista – che da sempre a Lineadarte trova casa\, tra ricerca\, manualità e sperimentazione. \nLaura Agostini – Italia; Patrizia Aletta – Italia; Franco Altobelli – Italia; Andreina Argiolas – Italia; Alessia Ausiello – Italia; Ariberto Badaloni – Italia; Gianluca Badiani – Italia; Elisabetta Bertulli – Italia; Elvira Biatta – Italia; Maria Bifulco – Italia; Rovena Bocci – Italia; Leci Bohn – Brasile; Roberto Fabio Brucci – Italia; Annunziata Buggio – Italia; Alfonso Caccavale – Italia; Sirlei Caetano – Brasile; Maria Rosanna Cafolla – Italia; Antonio Caranti – Italia; Mara Caruso – Brasile; Enzo Catini – Italia; Maria Teresa Cazzaro – Italia; Rosaria Cecere – Italia; Stefania Chierici – Italia; Mario Cobàs (Carchini) – Italia; Patrizia Maria Cocchiarella – Italia; Barbara Conti – Italia; Carla Crosio – Italia; Anna Maria Cutolo – Francia; Flora D’Angelo – Italia; Antonio D’Antonio – Italia; Carmen Delle Donne – Italia; DESART2 (Alessandra Degni e Simona Sarti) – Italia; Anna Di Lauro – Italia; Carla Di Pardo – Italia; Franco Di Pede – Italia; Marcello Diotallevi – Italia; Giovanna Donnarumma – Italia; Maria Cristina Fasulo – Italia; Lara Favaro – Italia; Salvatore Fellino – Italia; Piera Fidentea – Italia; Elisa Forte – Italia; Sabrina Frison – Italia; Rosalie Gancie – Stati Uniti d’America; Grupo Gralha Azul – Brasile; Luiza Gutierrez – Brasile; Gennaro Ippolito – Italia; Benedetta Jandolo – Italia; Jussara Leite Kronbauer – Brasile; Maria Antonietta Letizia – Italia; Serse Luigetti – Italia; Tania Luzzatto – Brasile; Maria Manna – Italia; Erminia Marasca Soccol – Brasile; Alicante Mateos – Spagna; Maria Teresa Mazzei – Italia; Kathleen McHugh – Stati Uniti d’America; Monica Michelotti – Italia; Annalisa Mitrano – Italia; Angelo Moscarino – Italia; Minsk Nasta Martyn – Polonia; Sara Nicoletti – Italia; Enzo Pagano – Italia; Laura Pagliai – Italia; Pál Csaba & Pál András – Ungheria; Patrizia Panizzolo – Italia; Chiara Pepe – Italia; Yagües Pepe – Spagna; Adriana Perego – Italia; Ilaria Pergolesi – Italia; Sioban Piercy – Irlanda; Bruno Pierozzi – Italia; Giuliana Polimeni – Italia; Cristiana Maria Pompei – Italia; Veronique Pozzi Paine’ – Italia; Giampiero Reverberi – Italia; Sabina Romanin – Italia; Mario Romano – Italia; Romina Russo – Italia; Roberto Scala – Italia; Carla Sello – Italia; Manuela Simoncelli – Italia; Lucia Spagnuolo – Italia; Jane Sperandio Balconi – Brasile; Gianna Maria Stellino – Italia; Ivana Storto – Italia; Maria do Carmo Toniolo Kuhn – Brasile; Enzo Trepiccione – Italia; Filippo Tufano – Italia; Ilia Tufano – Italia; Diana Isa Vallini – Italia; Nadir Valvach – Italia; Claudia Vianello – Brasile: Marina Vitolo – Italia. \nStudenti della 3ªC del Liceo Artistico Enzo Rossi – Roma coordinati dalla professoressa Cristiana Maria Pompei: Alice Antignano – Angelica Asis – Maria Giulia Caradan – Kristel Castillo – Eliana D’Agostino – Alessia Di Loreto – Gaia Floro – Angelica Frosi – Valentina Loddi – Chiara Massimiani – Caroline Paine – Arianna Piacitelli – Asia Pulsoni – Ayeza Rabino – Rachele Rubeis – Ginevra Vecchisi \nScheda riassuntiva \nMostra: Biennale del Libro d’Artista – Pocket Compact Mini Book Edition “La cultura nuoce gravemente all’ignoranza” A cura di: Giovanna Donnarumma e Gennaro Ippolito Vernissage: venerdì 25 settembre 2026\, ore 18.00 Periodo espositivo: dal 25 settembre al 19 ottobre 2026 Sede: Lineadarte Officina Creativa\, Via San Paolo 31\, Napoli Info e artisti partecipanti: www.biennaledellibrodartista.org \nUfficio stampa: Lineadarte Officina Creativa
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SUMMARY:Street Art - Stornarella
DESCRIPTION:𝐃𝐨𝐦𝐞𝐧𝐢𝐜𝐚 𝟐𝟎 𝐬𝐞𝐭𝐭𝐞𝐦𝐛𝐫𝐞 𝟐𝟎𝟐𝟔\, il centro di Stornarella (FG) si trasformerà in un grande palcoscenico a cielo aperto con spettacoli\, artisti e intrattenimento per tutta la famiglia. \nTra Piazza Umberto I\, Corso Garibaldi e Largo Duomo\, ogni angolo della piazza si animerà con performance\, musica e spettacoli che coinvolgeranno grandi e piccoli. \nUn evento gratuito pensato per famiglie\, bambini\, giovani e per chiunque voglia vivere una giornata speciale all’insegna dell’arte di strada. \nVi aspettiamo per celebrare insieme non solo dieci anni de “I Fuochi di San Pio” ma anche un sogno che continua a vivere attraverso Street Art Stornarella\, nel ricordo di Pietro.
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SUMMARY:Calabria Colleziona 2026
DESCRIPTION:Torna il 12 e 13 settembre 2026 all’Hotel San Francesco di Rende la seconda edizione di “Calabria Colleziona”\, l’evento imperdibile per appassionati di numismatica\, filatelia\, cartofilia e collezionismo d’epoca ad ingresso gratuito. \nIl fascino senza tempo della storia\, il valore della memoria e la passione per il dettaglio tornano protagonisti al Sud Italia. \nDopo il grande successo del debutto\, l’Associazione Culturale “Collezionare Rende” è lieta di annunciare la Seconda Edizione di Calabria Colleziona\, il convegno commerciale e culturale che si candida a diventare uno dei punti di riferimento più prestigiosi per il collezionismo nel Mezzogiorno. \nL’appuntamento è fissato per il weekend del 12 e 13 settembre 2026 nella raffinata e accessibile cornice dell’Hotel San Francesco di Rende (CS)\, una location d’eccezione pronta ad accogliere espositori qualificati\, periti\, studiosi e semplici curiosi da ogni angolo d’Italia. \nUn viaggio tra rarità\, arte e memoria storica: \nCalabria Colleziona non è un semplice mercatino\, ma un vero e proprio salone culturale dove ogni oggetto racconta una storia\, testimonia un’epoca e custodisce un frammento di identità collettiva. \nL’ampia sala espositiva ospiterà un panorama merceologico vasto e selezionato\, in grado di soddisfare tanto il collezionista esigente alla ricerca del pezzo raro quanto l’appassionato desideroso di fare un tuffo nel passato. \nTra i settori principali presenti in fiera: \nNumismatica: Monete antiche\, medievali\, moderne e contemporanee\, con particolare attenzione alle emissioni storiche del Meridione\, cartamoneta e banconote da collezione. \nFilatelia e Storia Postale: Francobolli rari\, annulli\, documenti di posta aerea\, lettere prefilateliche e testimonianze storico-postali. \nCartofilia e Stampa Antica: Cartoline d’epoca\, stampe\, mappe storiche\, fotografie e documenti di pregio. \nCollezionismo Vintage e Pop: Giocattoli d’epoca (da latta a modellismo)\, celebri figurine di calciatori e album storici\, dischi in vinile e memorabilia. \nMilitaria e Devozione: Oggettistica militare storica\, medaglistica e una ricercata selezione di immaginette sacre (santini) di alto valore iconografico e culturale. \nNon solo scambio: cultura\, dibattiti e incontri: \nLa mission dell’Associazione Collezionare Rende\, guidata da un team organizzativo e scientifico di primo piano\, è quella di diffondere la cultura del collezionismo come strumento di tutela del patrimonio storico. \nDurante le due giornate di manifestazione\, l’area espositiva sarà animata da mostre tematiche\, dibattiti e incontri culturali\, offrendo importanti momenti di approfondimento per comprendere l’evoluzione storica del territorio attraverso le monete\, i documenti postali e le testimonianze cartacee. \nSarà inoltre un’occasione d’oro per consultare esperti e periti per valutazioni\, perizie e consigli di conservazione. \nComfort e logistica: Un evento a misura di visitatore ed espositore: \nPer garantire la migliore esperienza possibile a commercianti\, convegnisti e visitatori\, l’organizzazione ha predisposto una logistica impeccabile all’interno dell’Hotel San Francesco: \n🏛️ Ampia sala espositiva modernamente attrezzata. \n🚗 Parcheggio riservato e comodo per espositori e pubblico. \n🏨 Possibilità di pernottamento in convenzione per chi giunge da fuori regione o da altre province. \n☕ Servizio catering\, bar e ristorazione attivo per tutta la durata dell’evento\, per vivere il convegno nel massimo relax senza dover lasciare la struttura. \nOrario continuato per agevolare l’afflusso del pubblico in ogni momento della giornata. \nScheda Riassuntiva dell’evento. \nNome evento: Calabria Colleziona – Seconda Edizione. \nOrganizzazione: Associazione Culturale “Collezionare Rende”. \nDate: Sabato 12 e Domenica 13 Settembre 2026. \nLuogo: Hotel San Francesco – Rende (Cosenza). \nOrari di apertura e chiusura: Sabato: dalle ore 09:00 alle ore 20:00 – Domenica: dalle ore 09:00 alle ore 13:00. \nIngresso: Gratuito.
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SUMMARY:Liminal: between reality and the virtual” & “When the earth speaks from Texas to Milan
DESCRIPTION:La galleria presenta una stimolante doppia esposizione: \n“Liminal: between reality and the virtual”: Una mostra collettiva che esplora il confine tra realtà e virtuale attraverso la fotografia\, le creazioni digitali e l’uso dell’intelligenza artificiale\, con opere di artisti come Anne Avaux\, Carme Gotsens\, Boxados Ruiz\, Oriol Puigdomenech\, Giorgia Art\, Antonio Aguirre\, Dimitrios Paterakis\, Incertagloria\, Mireia Norberto e Arnau Tasies.\n“When the Earth Speaks from Texas to Milan”: La personale dell’artista Marjorie Parker\, che porta in galleria i suoi intensi scatti incentrati sui suggestivi e lontani paesaggi texani
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DESCRIPTION:Come tutti gli anni l’organizzatore riunisce artisti di varia provenienza (Corea\, Giappone\, Slovacchia\, Germania\, Italia\, Francia) che accompagna in un percorso espositivo che vede le proprie tappe a Roma\, Firenze\, Milano e Venezia. \nUna formula questa che trova riscontro da parte degli artisti che hanno l’opportunità di conoscere nuove estimatori del pubblico che ha l’opportunità di entrare in contatto con linguaggi artisti anche molto lontani dalla nostra tradizione.
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SUMMARY:Collettiva 04/BLUE
DESCRIPTION:mostra collettiva a cura di Giacomo Gentilcore. \nL’esposizione presenterà i lavori di 22 artisti\, legati dal comune riferimento del colore blu\, creando un dialogo visivo immediato tra opere di linguaggi e stili anche molto distanti. \nIl vernissage si terrà martedì 1 Settembre alle ore 18:00 presso la sede della nostra galleria in via Nicola Antonio Porpora 16/A.
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SUMMARY:Bryan Hunt - Solo Show
DESCRIPTION:Bryan Hunt\nSolo Show \nOpening lunedì 10 agosto 2026\nDalle ore 19.00 alle 21.00 \nIn collaborazione con Thomas Brambilla Gallery \nDep Art Out\, in collaborazione con la Galleria Thomas Brambilla\, è lieta di annunciare la mostra personale dell’artista americano Bryan Hunt (n. 1947)\, che inaugurerà il 10 agosto 2026. \nPer questa mostra\, Hunt ha creato una straordinaria scultura site-specific dal titolo Standing Spiral. L’opera\, alta due metri\, è stata concepita in diretta risposta alla geometria architettonica iconica e primordiale del trullo. \nL’opera presenta una caratteristica base conica che omaggia poeticamente le chiancarelle\, i tradizionali tetti in pietra che definiscono il paesaggio della Valle d’Itria. Hunt mette\, così\, in dialogo la memoria del territorio con i linguaggi dell’astrazione contemporanea\, intrecciando la fluidità tipica della sua ricerca scultorea con questa storica architettura rurale. \nCollocata all’interno del trullo\, la scultura dialoga con i volumi interni\, guidando lo sguardo dello spettatore verso la volta zenitale. \nHunt sovverte la gravità architettonica\, trasformando uno storico simbolo di rifugio rurale in un’eterea ricerca che si sviluppa verso l’alto. L’opera funge da vero e proprio axis mundi\, canalizzando l’energia dello spazio interno e proiettandola verso l’apertura della volta\, in un continuo gioco di tensioni verticali. \nNota biografica \nBryan Hunt (1947\, USA) è da sempre stato interessato all’architettura e all’esplorazione spaziale e ha lavorato come assistente tecnico al Kennedy Space Center e successivamente come disegnatore per un ingegnere meccanico. Nel 1968\, Hunt si trasferì a Los Angeles e studiò all’Otis Art Institute. Continuò a vivere e lavorare a Los Angeles fino al 1976\, e fece parte di una scena dinamica che includeva Allan McCollum\, Lynda Benglis\, Bruce Naumann e Chris Burden. Durante questi anni a Los Angeles\, Hunt produsse un corpus di opere straordinario. La curatrice Sue Scott ha definito il 1974 l’anno cruciale della carriera di Hunt. “In soli dodici mesi\, ha creato cinque importanti sculture che hanno portato il suo lavoro in una nuova direzione\, gettando una solida base per anni di intensa creatività. Queste cinque opere – Empire State with Hindenburg\, Nankow Pass (Wall of China)\, Hoover Dam\, Tower of Babel\, e la prima di una serie di aeronavi – con il loro curioso mix di arte\, scienza\, tecnologia e filosofia erano radicalmente diverse dalle sculture allora esposte in gallerie e musei”. Dagli anni 70 in poi Hunt si è dedicato alla serie iconica degli “Airships” che ha sviluppato grazie al suo interesse per l’architettura e lo spazio. Gli Airships sono formati da strutture a forma di dirigibile e sono montate direttamente a muro\, dando l’impressione di essere sospese nello spazio. \nQueste opere rappresentavano una sfida per i seguaci del Minimalismo e della Land Art e una risposta sofisticata e idiosincratica alla scultura classica e moderna. A seguito di queste prime opere\, Hunt si dedicò ad una serie di sculture che rappresentano i volumi di laghi\, cave e cascate\, che sono diventate iconiche. \nChristoph Brockhaus ha scritto che Hunt “è stato interessato alla struttura superficiale di Rodin\, al dialogo tra scultura e piedistallo di Brancusi\, alle forme geometriche del Costruttivismo e al gesto dell’Espressionismo Astratto”. \nBryan Hunt vive e lavora a New York City. Ha esposto in diversi musei e istituzioni tra cui: The Institute for Art and Urban Resources\, The Clocktower\, New York (1974)\, “Young American Artists” al Solomon R. Guggenheim Museum (1978)\, “made by sculptors” allo Stedelijk Museum\, Amsterdam (1978)\, “Decade in Review” al Whitney Museum of American Art (1979) e “Visionary Images” alla Renaissance Society presso l’Università di Chicago (1979). Il suo lavoro è incluso nelle collezioni museali\, tra cui il Museum of Modern Art\, New York; il Whitney Museum of American Art\, New York; l’Hirshhorn Museum and Sculpture Garden\, Washington; il Los Angeles County Museum of Art; e il Museum of Contemporary Art\, Los Angeles. \nDep Art OUT\nMF22+MG Ceglie Messapica\, Provincia di Brindisi\nContrada Marangi – Ulmo\n+39 388 8550083 \nDep Art OUT – out@depart.it \nThomas Brambilla Gallery \nhttps://www.thomasbrambilla.com/it/\n@thomasbrambillagallery \n Bryan Hunt\nhttps://www.bryanhunt.com\n@bryan9hunt \nL’evento è patrocinato dall’Assessorato alla Cultura della Città di Ceglie Messapica.
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SUMMARY:Beatriz Morales
DESCRIPTION:Beatriz Morales  \nOpening martedì 21 luglio 2026\nDalle ore 19.00 alle 21.00 \nDal 22 al 26 luglio. Su appuntamento \nA cura di Virginie Puertolas-Syn\nIn collaborazione con Giuliana Schiavone \n  \nNell’ambito della rassegna Puglia Art Project il trullo di Dep Art Out è lieto di ospitare un progetto site-specific dell’artista messicana Beatriz Morales. Visitabile su appuntamento dal 22 al 26 luglio 2026. \nPuglia Art Project invita tre artisti contemporanei di rilievo internazionale a confrontarsi con l’identità unica della Puglia: la sua storia millenaria\, il suo paesaggio e il delicato equilibrio tra natura e cultura che ne caratterizza il territorio. A ciascun artista è stata data carta bianca\, offrendo piena libertà creativa per sviluppare un’opera site-specific ispirata agli elementi fondamentali che definiscono questa regione: il mare\, gli alberi e la pietra. \nSviluppato in tre sedi tra Ostuni\, Ceglie Messapica e Carovigno\, il progetto mette in dialogo Beatriz Morales\, Giovanni Ozzola e David Rickard con il territorio pugliese e le sue molteplici stratificazioni: gli uliveti secolari e i muretti a secco\, la memoria messapica e mediterranea\, la luce intensa e il paesaggio costiero. Attraverso un processo di osservazione e ascolto\, gli artisti sono invitati a lasciarsi guidare dai materiali\, dalle storie e dalle atmosfere del Sud Italia\, trasformandoli in nuove forme espressive. \nCurato da Virginie Puertolas-Syn\, Puglia Art Project nasce dalla collaborazione con Copperfield (Londra)\, Galleria Michela Rizzo (Venezia e Milano)\, Suburbia Contemporary (Barcellona e Lipsia)\, Galleria 32 (Carovigno)\, Giuliana Schiavone e Dep Art (Milano e Ceglie Messapica). \nNota biografica \nBeatriz Morales (Città del Messico\, 1981)\, Beatriz Morales vive e lavora tra Berlino e Hidalgo\, in Messico. In gran parte autodidatta\, ha sviluppato una pratica che fonde una sensibilità astratto-espressionista con materiali artigianali tradizionali\, dalle stratificate “pelli” acriliche alla fibra di agave intrecciata. Il colore e il gesto della mancha — la macchia — sono al centro del suo lavoro\, che si è evoluto in installazioni immersive di grande scala. Tra le presentazioni recenti figurano il Museo Frieder Burda\, Baden-Baden\, e una commissione monumentale al museo MACAY di Mérida. La sua monografia Color Archaeology è stata pubblicata da Kerber nel 2021. Tra le mostre recenti: For Your Oceans da Sotheby’s\, Londra; Bienal Sur\, Città del Messico; e Unbound alla Praxis Gallery\, New York. Le sue opere sono presenti in collezioni internazionali. \nDep Art OUT\nMF22+MG Ceglie Messapica\, Provincia di Brindisi\nContrada Marangi – Ulmo\n+39 388 8550083\nout@depart.it \nDep Art OUT – \nVirginie Puertolas-Syn \n@virginie_puertolas_syn \nBeatriz Morales\nwww.beatrizmorales. com \n@beatriz__morales \nL’evento è patrocinato dall’Assessorato alla Cultura della Città di Ceglie Messapica.
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SUMMARY:Stefano Arienti\, Europa Libera
DESCRIPTION:Stefano Arienti\nEuropa Libera  \nA cura di Carmelo Cipriani \nOpening giovedì 2 agosto 2026\nDalle ore 19.00 alle 21.00 \nDep Art Out è lieta di presentare Europa Libera\, il nuovo intervento site-specific di Stefano Arienti\, concepito appositamente per il trullo di Ceglie Messapica\, a cura di Carmelo Cipriani. \nDa oltre trent’anni Stefano Arienti sviluppa una ricerca che mette in relazione immagine\, materia e territorio\, attraverso gesti essenziali di raccolta\, trasformazione e ricomposizione. La sua pratica si fonda sulla capacità di rivelare il potenziale poetico di materiali ordinari e di elementi naturali\, facendo emergere connessioni inattese tra esperienza e rappresentazione. Carte geografiche\, paesaggi\, fenomeni naturali\, memorie dei luoghi e immagini della cultura visiva vengono continuamente reinterpretati\, dando origine a opere in cui non solo il risultato visivo ma lo stesso processo di costruzione diventa uno strumento collettivo di confronto e conoscenza. \nPer Dep Art Out\, Arienti realizza una monumentale mappa politica dell’Europa utilizzando esclusivamente materiali raccolti nel terreno circostante il trullo. Pietre e altri elementi naturali vengono ricomposti in un grande disegno percorribile dal pubblico\, trasformando il suolo in un’immagine. L’opera è pensata come uno spazio da attraversare fisicamente\, nel quale il visitatore entra letteralmente all’interno della geografia europea. Il disegno colloca simbolicamente la Puglia al centro della composizione\, facendo coincidere il trullo con uno dei punti nevralgici della carta. Il luogo che ospita l’intervento diventa il fulcro stesso della rappresentazione\, suggerendo un ribaltamento della prospettiva geografica: l’Europa è ripensata a partire da un luogo concreto\, periferico solo in apparenza\, storicamente affacciato sul Mediterraneo e naturalmente proiettato verso Oriente. \n«L’intervento – sostiene il curatore Carmelo Cipriani – s’inserisce in una linea di ricerca che attraversa da anni il lavoro dell’artista: la costruzione di immagini complesse mediante l’accumulazione di elementi naturali o di recupero\, capaci di conservare la propria identità pur contribuendo a una figura o struttura di valenza collettiva. Ne è un esempio Gocce\, installazione site-specific realizzata nel Museo Nazionale di San Marino\, in cui Arienti ha delineato la geografia d’Europa attraverso una moltitudine di vasetti di vetro. A Ceglie Messapica questa ricerca in cui il materiale non è mai un semplice mezzo espressivo\, ma determina il significato stesso dell’immagine\, trova una declinazione inedita. La pietra sostituisce il vetro\, introducendo una dimensione geologica e storica profondamente radicata nel paesaggio pugliese. Sono le stesse pietre che\, raccolte nei campi nel corso dei secoli\, hanno dato forma ai muri a secco\, ai terrazzamenti e ai trulli\, trasformando un materiale naturale in un elemento identitario del territorio. La mappa dell’Europa nasce così dalla stessa materia che costruisce il paesaggio locale\, mettendo in relazione la scala continentale con quella più intima e quotidiana della campagna murgiana. L’unico elemento cromatico adottato è l’azzurro\, identificativo di mare e cielo\, ma anche della bandiera europea. È una presenza minima ma decisiva\, capace di unire la dimensione naturale del paesaggio con quella simbolica e istituzionale della costruzione europea. Il colore diventa così un segno di appartenenza\, ma anche un invito a riflettere sul significato stesso dell’idea di Europa». \nL’opera ha una connotazione apertamente politica. La carta geografica non viene utilizzata per affermare la stabilità dei confini\, ma per interrogare il ruolo dell’Unione Europea nel presente. Arienti propone un’immagine del continente come spazio condiviso\, fondato sulla responsabilità collettiva più che sull’appartenenza nazionale. L’intervento richiama il valore delle istituzioni sovranazionali come strumenti di cooperazione\, di pace e di mediazione tra i popoli\, contrapponendo la costruzione di una comunità politica solidale alla logica degli imperi e delle opposizioni geopolitiche. Più che disegnare una carta geografica\, Stefano Arienti costruisce una geografia della materia\, nella quale il paesaggio di Ceglie Messapica diventa il punto da cui ripensare l’Europa\, la sua identità e il suo futuro. \nNota biografica \nStefano Arienti (Asola\, Mantova\, 1961) vive e lavora a Milano. Nel 1986 si laurea in Scienze Agrarie con una tesi di virologia. Partecipa alla prima mostra collettiva nel 1985 alla ex fabbrica Brown Boveri\, dove incontra Corrado Levi\, il suo primo maestro. Ha frequentato l’ambiente artistico italiano\, assieme ad altri giovani artisti\, nel momento di rinnovamento successivo alle stagioni dominate dall’Arte Povera e dalla Transavanguardia. La sua ricerca affonda le radici nel gesto manuale e nella sperimentazione tecnica. Collage\, piegatura\, cancellatura o incisione diventano strumenti di trasformazione al pari delle tecniche tradizionali come la pittura o la scultura. Il suo lavoro si nutre di immagini tratte tanto dalla storia dell’arte quanto dalla cultura popolare\, sottoposte a processi di manipolazione e riscrittura. \nHa tenuto una lunga serie di mostre personali in musei e istituzioni d’arte italiane e straniere\, fra cui il MAXXI di Roma\, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino\, le Fondazioni Querini Stampalia e Bevilacqua La Masa di Venezia\, il Palazzo Ducale di Mantova\, la Galleria Civica di Modena\, il Museo d’arte contemporanea Villa Croce di Genova\, i Chiostri di Sant’Eustorgio a Milano e la Galleria Nazionale di San Marino. Negli Stati Uniti: ArtPace San Antonio\, Texas e Isabella Stewart Gardner Museum\, Boston. Ha altresì partecipato a numerose mostre collettive in Italia ed all’estero\, fra cui le Biennali di Venezia\, Istanbul e Gwanjiu. Ha viaggiato soprattutto in Europa\, Nord America e Asia\, partecipando anche a programmi di residenza per artisti negli Stati Uniti\, a San Francisco\, Boston e San Antonio\, in India\, a Nuova Delhi e in Francia\, a Clisson. Ha insegnato all’Accademia di Belle Arti “Giacomo Carrara” di Bergamo e all’Università IUAV di Venezia. \nDep Art OUT\nMF22+MG Ceglie Messapica\, Provincia di Brindisi\nContrada Marangi – Ulmo \nDep Art OUT – out@depart.it | +39 388 8550083 \nStefano Arienti\nwww.stefanoarienti.it \nL’evento è patrocinato dell’Assessorato alla Cultura della Città di Ceglie Messapica
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SUMMARY:Beatriz Morales
DESCRIPTION:Beatriz Morales  \nOpening martedì 21 luglio 2026\nDalle ore 19.00 alle 21.00 \nDal 22 al 26 luglio. Su appuntamento \nA cura di Virginie Puertolas-Syn\nIn collaborazione con Giuliana Schiavone \n  \nNell’ambito della rassegna Puglia Art Project il trullo di Dep Art Out è lieto di ospitare un progetto site-specific dell’artista messicana Beatriz Morales. Visitabile su appuntamento dal 22 al 26 luglio 2026. \nPuglia Art Project invita tre artisti contemporanei di rilievo internazionale a confrontarsi con l’identità unica della Puglia: la sua storia millenaria\, il suo paesaggio e il delicato equilibrio tra natura e cultura che ne caratterizza il territorio. A ciascun artista è stata data carta bianca\, offrendo piena libertà creativa per sviluppare un’opera site-specific ispirata agli elementi fondamentali che definiscono questa regione: il mare\, gli alberi e la pietra. \nSviluppato in tre sedi tra Ostuni\, Ceglie Messapica e Carovigno\, il progetto mette in dialogo Beatriz Morales\, Giovanni Ozzola e David Rickard con il territorio pugliese e le sue molteplici stratificazioni: gli uliveti secolari e i muretti a secco\, la memoria messapica e mediterranea\, la luce intensa e il paesaggio costiero. Attraverso un processo di osservazione e ascolto\, gli artisti sono invitati a lasciarsi guidare dai materiali\, dalle storie e dalle atmosfere del Sud Italia\, trasformandoli in nuove forme espressive. \nCurato da Virginie Puertolas-Syn\, Puglia Art Project nasce dalla collaborazione con Copperfield (Londra)\, Galleria Michela Rizzo (Venezia e Milano)\, Suburbia Contemporary (Barcellona e Lipsia)\, Galleria 32 (Carovigno)\, Giuliana Schiavone e Dep Art (Milano e Ceglie Messapica). \nNota biografica \nBeatriz Morales (Città del Messico\, 1981)\, Beatriz Morales vive e lavora tra Berlino e Hidalgo\, in Messico. In gran parte autodidatta\, ha sviluppato una pratica che fonde una sensibilità astratto-espressionista con materiali artigianali tradizionali\, dalle stratificate “pelli” acriliche alla fibra di agave intrecciata. Il colore e il gesto della mancha — la macchia — sono al centro del suo lavoro\, che si è evoluto in installazioni immersive di grande scala. Tra le presentazioni recenti figurano il Museo Frieder Burda\, Baden-Baden\, e una commissione monumentale al museo MACAY di Mérida. La sua monografia Color Archaeology è stata pubblicata da Kerber nel 2021. Tra le mostre recenti: For Your Oceans da Sotheby’s\, Londra; Bienal Sur\, Città del Messico; e Unbound alla Praxis Gallery\, New York. Le sue opere sono presenti in collezioni internazionali. \nDep Art OUT\nMF22+MG Ceglie Messapica\, Provincia di Brindisi\nContrada Marangi – Ulmo\n+39 388 8550083\nout@depart.it \nDep Art OUT – \nVirginie Puertolas-Syn \n@virginie_puertolas_syn \nBeatriz Morales\nwww.beatrizmorales. com \n@beatriz__morales \nL’evento è patrocinato dall’Assessorato alla Cultura della Città di Ceglie Messapica.
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SUMMARY:Extinctions - Mostra di Deborah Kruger
DESCRIPTION:La mostra riunisce un significativo nucleo di opere recenti e indaga le forme di perdita irreversibile che caratterizzano il presente\, intrecciando riflessione ecologica\, memoria culturale e responsabilità individuale e collettiva. Al centro della ricerca di Kruger si collocano due fenomeni apparentemente distinti ma profondamente interconnessi: l’estinzione di numerose specie di uccelli e la progressiva scomparsa di lingue indigene in diverse aree del pianeta. L’artista li interpreta come manifestazioni parallele di una medesima crisi sistemica\, capace di compromettere simultaneamente la biodiversità naturale e quella culturale. \nIl percorso espositivo comprende sculture tessili\, arazzi monumentali e opere a parete accomunate dall’impiego di uno degli elementi più riconoscibili della pratica dell’artista: piume di plastica riciclata\, successivamente serigrafate con immagini di specie aviarie minacciate e sovrastampate con testi in lingue a rischio di estinzione. Attraverso questa scelta materica\, Kruger introduce una complessa stratificazione semantica: la plastica\, emblema della produzione e del consumo globalizzati nonché tra i principali agenti dell’alterazione ambientale contemporanea\, viene trasformata in dispositivo narrativo e critico\, capace di rendere visibili le responsabilità umane nei processi di degrado ecologico e di cancellazione culturale. \nLa formazione dell’artista nel campo del textile design emerge nella qualità tattile delle superfici\, nella costruzione delle opere e nell’attenzione alla dimensione processuale del fare. Materialità\, accumulazione e stratificazione diventano strumenti attraverso cui Kruger interroga i modelli economici e produttivi contemporanei\, mantenendo al contempo un forte legame con la manualità e con la capacità dei materiali di conservare e trasmettere memoria. \nAlla base della sua pratica artistica vi è una concezione relazionale dell’esistenza\, secondo la quale ogni organismo\, cultura e linguaggio partecipa a una rete complessa di interdipendenze. In questa prospettiva\, la frammentazione degli habitat naturali e l’erosione delle culture marginali appaiono come effetti differenti di dinamiche comuni\, generate da sistemi economici e sociali fondati sull’estrazione intensiva delle risorse e sulla progressiva omologazione dei comportamenti. Le conseguenze di tali processi ricadono con particolare evidenza sulle realtà più vulnerabili – specie animali minacciate e comunità indigene – che diventano indicatori sensibili delle fragilità dell’intero ecosistema globale. \nEXTINCTIONS invita a riflettere sulle relazioni che legano produzione\, consumo\, linguaggio e tutela della vita\, ponendo al centro le responsabilità individuali e collettive che attraversano il nostro tempo. Per Deborah Kruger l’arte è uno spazio di consapevolezza e trasformazione\, capace di rendere visibili le strutture spesso opache dei sistemi contemporanei e di restituire presenza e voce a ciò che rischia di essere definitivamente cancellato. \nLa mostra è corredata di un catalogo trilingue (italiano\, inglese\, tedesco) edito da Al3vie Editore. \nOrari mostra:                     venerdì: 15.00 – 19.00; sabato e domenica: 10.00 – 12.00 e 15.00 – 19.00
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LOCATION:Civico Museo Parisi Valle\, Via Leopoldo Giampaolo\, Maccagno con Pino e Veddasca\, Varese\, Italia
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SUMMARY:Liminal: between reality and the virtual” & “When the earth speaks from Texas to Milan
DESCRIPTION:La galleria presenta una stimolante doppia esposizione: \n“Liminal: between reality and the virtual”: Una mostra collettiva che esplora il confine tra realtà e virtuale attraverso la fotografia\, le creazioni digitali e l’uso dell’intelligenza artificiale\, con opere di artisti come Anne Avaux\, Carme Gotsens\, Boxados Ruiz\, Oriol Puigdomenech\, Giorgia Art\, Antonio Aguirre\, Dimitrios Paterakis\, Incertagloria\, Mireia Norberto e Arnau Tasies.\n“When the Earth Speaks from Texas to Milan”: La personale dell’artista Marjorie Parker\, che porta in galleria i suoi intensi scatti incentrati sui suggestivi e lontani paesaggi texani
URL:https://inagenda.it/evento/liminal-between-reality-and-the-virtual-when-the-earth-speaks-from-texas-to-milan-5/
LOCATION:iKonica Art Gallery\, Via N. A. Porpora 16/A\, Milano\, Milano\, 20131\, Italy
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SUMMARY:Milan Art Exhibtion
DESCRIPTION:Come tutti gli anni l’organizzatore riunisce artisti di varia provenienza (Corea\, Giappone\, Slovacchia\, Germania\, Italia\, Francia) che accompagna in un percorso espositivo che vede le proprie tappe a Roma\, Firenze\, Milano e Venezia. \nUna formula questa che trova riscontro da parte degli artisti che hanno l’opportunità di conoscere nuove estimatori del pubblico che ha l’opportunità di entrare in contatto con linguaggi artisti anche molto lontani dalla nostra tradizione.
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LOCATION:iKonica Art Gallery\, Via N. A. Porpora 16/A\, Milano\, Milano\, 20131\, Italy
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SUMMARY:Collettiva 04/BLUE
DESCRIPTION:mostra collettiva a cura di Giacomo Gentilcore. \nL’esposizione presenterà i lavori di 22 artisti\, legati dal comune riferimento del colore blu\, creando un dialogo visivo immediato tra opere di linguaggi e stili anche molto distanti. \nIl vernissage si terrà martedì 1 Settembre alle ore 18:00 presso la sede della nostra galleria in via Nicola Antonio Porpora 16/A.
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LOCATION:iKonica Art Gallery\, Via N. A. Porpora 16/A\, Milano\, Milano\, 20131\, Italy
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SUMMARY:Contemporary Art in Milano
DESCRIPTION:Mostra collettiva internazionale realizzata in collaborazione con la Patricia\nCancelo Art Gallery BCN.\nL’esposizione\, che si terrà dal 10 al 18 luglio\, vedrà il suo momento inaugurale con il\nVernissage di sabato 11 luglio a partire dalle ore 17.30\, con ingresso libero per il\npubblico.\nCurata da Patricia Cancelo\, la mostra offre un affascinante spaccato sull’arte\ncontemporanea globale\, riunendo le ricerche di otto artisti provenienti da diversi\nbackground culturali. Il percorso espositivo si articola attraverso una varietà di\nlinguaggi espressivi e stili\, spaziando dalla pittura alla scultura\, per esplorare le\nmolteplici sfaccettature della creatività odierna.\nSotto la guida critica della curatrice\, l’evento si propone come un punto di\nincontro e di confronto culturale\, dove la pluralità delle voci artistiche si fonde in\nun racconto visivo unico e coerente.\nGli otto artisti protagonisti di questo dialogo visivo sono:\nEkaterina Zag – Neus Pino – Esperanza García – Camilla Fransrud – Carmen\nCarrasco – Enrique Sama – Joanmanel Matas – Priya Selvarasa
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SUMMARY:Geometria e Natura di Annamaria Gelmi
DESCRIPTION:Annamaria Gelmi\nGEOMETRIA e NATURA\na cura di Federico Sardella\nin collaborazione con LOOM GALLERY\, Milano\nOpening martedì 7 luglio 2026\nDalle ore 19.00 alle 21.00\nDopo la mostra di Alex Dorici\, la stagione estiva 2026 di Dep Art Out prosegue con Geometria e natura\, una mostra dedicata ad Annamaria Gelmi che presenta\, sotto ai coni del trullo di Dep Art Out\, un’installazione site specific concepita appositamente per questo luogo. \nLa mostra\, a cura di Federico Sardella e realizzata in collaborazione con Loom Gallery (Milano)\, si inserisce nella programmazione di Dep Art Out\, confermando la vocazione di questo spazio ad accogliere il lavoro degli artisti stimolandoli a confrontarsi con la sua architettura e favorendo la produzione di opere realizzate sul posto. Qui\, tra muri a secco e cielo aperto\, l’arte non si adagia: si mette alla prova. Il trullo diventa laboratorio\, dispositivo e scena. Un luogo che non solo accoglie\, ma partecipa. \nNasce da questo dialogo l’installazione site specific di Annamaria Gelmi: un lavoro che l’artista stessa ha scelto di considerare un work in progress\, aperto alle possibilità offerte dallo spazio. Il progetto prevede un intervento a terra\, dove sarà collocato uno specchio quadrato circondato da elementi blu-verdi\, in relazione con un’opera sospesa in carta giapponese\, una striscia lunga circa cinque metri realizzata nel 1978. La trasparenza della carta\, sulla cui superficie compaiono tracce di acquerello e gessetti che evocano il fogliame mosso dal vento\, il suo peso quasi inesistente\, la struttura impalpabile e la collocazione aerea\, insieme alla presenza dello specchio che occupa il suolo\, contribuiscono a una ulteriore dilatazione dello spazio. \nCome osserva la stessa artista\, l’opera resta volutamente aperta alle condizioni dell’allestimento: «Questa installazione è da definire in fase di allestimento… la striscia di carta giapponese si può appendere al soffitto\, può essere sospesa in modo che si possa specchiare. Diversamente\, in alternativa potrei aggiungere una catena ugualmente sospesa in corrispondenza del centro dello specchio\, per rendere palpabile una possibile idea di infinito nella profondità…». \nÈ proprio questa apertura il cuore del progetto: l’opera non si chiude prima di nascere. Accoglie l’architettura\, la luce e il movimento delle forme che la circondano. Si adatta\, respira\, decide insieme alle strutture portanti\, nelle quali può arrivare a insinuarsi\, come fosse un’edera. \nNel trullo\, architettura ancestrale simbolo di equilibrio tra uomo e natura\, le opere di Annamaria Gelmi trovano una risonanza inedita. La geometria alla quale\, da sempre\, l’artista si riferisce\, qui non è rigidità\, ma ritmo. È ordine e tensione. Il cerchio della pietra incontra il quadrato dello specchio. La verticale della carta incontra l’orizzonte del suolo\, in un dialogo di forme che non si combattono\, ma si ascoltano. \nGeometria e natura mette così in relazione tempi\, materiali e percezioni: il presente e il passato dell’artista\, la solidità luminosa dei materiali specchianti e l’etereità di quelli sospesi\, la perfezione della forma geometrica e la sostanza vitale della natura. Chi entra nel trullo è invitato a confrontarsi con lo spazio e con il proprio riflesso\, diventando parte dell’opera. \nAnnamaria Gelmi\, con il suo linguaggio rigoroso e poetico\, ci ricorda che natura e geometria non sono opposte. Sono due modi di osservare lo stesso mistero\, due forme attraverso cui si manifesta un medesimo principio di equilibrio e trasformazione. \n\nNota biografica\nAnnamaria Gelmi (Trento\, 1943) vive e lavora a Trento. Dopo gli studi all’Istituto d’Arte di Trento\, all’Accademia di Brera con Cantatore e all’Accademia di Venezia con Saetti\, avvia nel 1968 una ricerca incentrata su plexiglas\, metacrilato e materiali plastici\, creando opere basate su trasparenza\, luce\, ombra e relazione con lo spazio. Negli anni Ottanta introduce il colore e richiami all’architettura classica\, mentre negli anni Novanta tali elementi si trasformano in segni simbolici e in una riflessione sullo spazio come dimensione mentale. Parallelamente realizza sculture e installazioni in ferro\, pietra\, ottone e vetro. Dal 2000 sviluppa soprattutto opere in ferro\, esponendo in musei\, gallerie e istituzioni in Italia e all’estero. Ha partecipato a importanti rassegne internazionali\, tra cui la Biennale di Venezia\, Manifesta 7 e numerose biennali di scultura\, affermandosi come figura significativa dell’arte contemporanea italiana. \nDep Art OUT\nMF22+MG Ceglie Messapica\, Provincia di Brindisi\nContrada Marangi – Ulmo\n+39 388 8550083 \nDep Art OUT | out@depart.it \nLOOMGALLERY\nwww.loomgallery.com | @loom_gallery \nAnnamaria Gelmi\nwww.annamariagelmi.com | @gelmi.annamaria
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SUMMARY:Alex Dorici
DESCRIPTION:Alex Dorici\nInstallation Rope 98 Meters – Slack  \nOpening sabato 27 giugno 2026\nDalle ore 19.30 alle 21.30 \nIn collaborazione con Arte 50\, Cureglia (Svizzera) \nDep Art Out è lieta di presentare Installation Rope 98 Meters – Slack\, progetto inedito di Alex Dorici realizzato appositamente per il trullo di Ceglie Messapica. \nCon questo intervento\, Dorici segna un nuovo capitolo all’interno della serie Installation Rope\, sviluppata negli anni attraverso linee tese\, geometrie rigide e strutture capaci di ridefinire architettura e spazio mediante una forte tensione costruttiva. La poetica di Dorici si fonda sull’idea che lo spazio non sia un contenitore neutro\, ma una materia attiva che si può ri-costruire\, alterare e percepire diversamente.\nNella sua serie più iconica\, la corda diventa una linea spaziale che sostituisce il segno tradizionale del disegno. Grazie a questi progetti necessariamente site-specific le sue opere sono entrate a far parte di collezioni pubbliche e private\, con realizzazioni sia indoor che outdoor. \nNel progetto concepito per Dep Art Out\, l’artista abbandona per la prima volta la rigidità della linea retta per confrontarsi con la curva\, con il peso e con la gravità. La corda non viene più utilizzata come elemento che impone ordine e controllo allo spazio\, ma si lascia attraversare dalla sospensione\, dal cedimento\, dall’instabilità.\nQuesta svolta radicale nasce da un confronto diretto con l’architettura del trullo: uno spazio ancestrale costruito in pietra a secco\, dove dimensione vernacolare e tensione quasi sacrale convivono in equilibrio. Di fronte a una struttura tanto forte e identitaria\, Dorici rinuncia volutamente a qualsiasi gesto monumentale o invasivo\, scegliendo invece una presenza leggera\, organica\, silenziosa\, magicamente sospesa. \nLe corde scendono dalla cupola centrale formando grandi catenarie che attraversano lo spazio in modo libero e instabile. Alcune rimangono a mezz’aria\, una sfiora il pavimento\, un’altra eccede volutamente lasciando parte del cordame disteso a terra. Un nodo sospeso al centro dello spazio può essere raggiunto dal visitatore che\, interagendo con l’opera\, modifica lievemente il disegno e l’equilibrio delle linee. \nLa scelta del bianco nasce dalla volontà di instaurare con il trullo una convivenza visiva discreta: durante il giorno la corda tende a confondersi con l’architettura e con la luce naturale\, generando una relazione sottile fatta di apparizioni\, vuoti e tensioni minime. Questo dialogo appartiene da tempo alla ricerca di Dorici\, in cui la luce non è mai un semplice elemento scenografico\, ma un dispositivo capace di modificare radicalmente il comportamento dell’opera e il rapporto tra presenza e assenza. \nCon l’attivazione delle lampade UV\, l’equilibrio percettivo tra architettura e installazione si ribalta completamente. Se durante il giorno è la corda a lasciare spazio alla forza materica del trullo\, nella dimensione notturna è invece l’architettura a ritirarsi visivamente\, lasciando emergere la presenza luminosa della corda che sembra galleggiare nello spazio come un disegno sospeso e immateriale. \nInstallation Rope 98 Meters – Slack segna così un momento decisivo nella ricerca dell’artista: la linea perde il proprio carattere autoritario e costruttivo per diventare vulnerabile\, mutevole e sensibile alla gravità\, al tempo e alla presenza umana.\nPiù che occupare lo spazio\, l’opera sembra ascoltarlo.
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SUMMARY:Dep Art Gallery. 20 Anni
DESCRIPTION:DEP ART GALLERY | 20 ANNI\n2006 – 2026\nA cura di Antonio Addamiano\nMilano\, Dep Art Gallery\n24 giugno 2026 – 19 settembre 2026\nOpening 23 giugno\, dalle 18.00 \nDep Art Gallery celebra il ventesimo anniversario della sua attività con una mostra che è insieme bilancio e manifesto. Non una retrospettiva\, ma una ricognizione visiva: ventisei artisti\, ventisei mostre personali che hanno segnato la storia della galleria\, ciascuno rappresentato da un’opera scelta a testimoniare la coerenza di un percorso. \nL’allestimento segue una logica spaziale e narrativa precisa. Ad aprire il percorso espositivo è un’opera di Mario Nigro\, artista che il fondatore e direttore Antonio Addamiano scelse di esporre in occasione dell’inaugurazione della galleria 20 anni fa\, nel 2006\, nella sede di Via Giuriati. La mostra continua al piano interrato dove si dispiega la storia delle origini: da Alberto Gianquinto a Pino Pinelli\, ma anche Salvo\, Alberto Biasi ed Emilio Scanavino\, così\, in ordine cronologico\, la galleria ripercorre i suoi primi anni attraverso le opere di artisti che ne hanno definito l’identità. Non è casuale che Pinelli chiuda questo piano: la sua personale fu l’ultima mostra nella sede storica della galleria\, un congedo e insieme una soglia. \nAl piano superiore il racconto continua: nel 2015 la galleria inaugurò la nuova sede di Via Comelico con una mostra di Turi Simeti\, e da lì prosegue il percorso\, da Piero Fogliati a Gerold Miller\, passando per Alighiero Boetti\, Wolfram Ullrich\, Carlos Cruz-Diez\, Regine Schumann\, Imi Knoebel\, a mostrare come la ricerca si sia evoluta senza mai perdere il filo: quello di un’arte che interroga la percezione\, lo spazio\, la materia\, la memoria. \nAlcune di queste mostre sono state possibili grazie a collaborazioni con curatori di straordinaria competenza e sensibilità\, con i quali si è costruito nel tempo un rapporto di fiducia e stima reciproca. La condivisione di una visione\, di relazioni\, di studio\, di rischio intellettuale è ciò che ha orientato ogni scelta in questi vent’anni\, e continua a farlo.
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LOCATION:Via Comelico\, 40 – Milano\, Via Comelico\, 40\, Milano\, Milano\, Italia
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SUMMARY:Liminal: between reality and the virtual” & “When the earth speaks from Texas to Milan
DESCRIPTION:La galleria presenta una stimolante doppia esposizione: \n“Liminal: between reality and the virtual”: Una mostra collettiva che esplora il confine tra realtà e virtuale attraverso la fotografia\, le creazioni digitali e l’uso dell’intelligenza artificiale\, con opere di artisti come Anne Avaux\, Carme Gotsens\, Boxados Ruiz\, Oriol Puigdomenech\, Giorgia Art\, Antonio Aguirre\, Dimitrios Paterakis\, Incertagloria\, Mireia Norberto e Arnau Tasies.\n“When the Earth Speaks from Texas to Milan”: La personale dell’artista Marjorie Parker\, che porta in galleria i suoi intensi scatti incentrati sui suggestivi e lontani paesaggi texani
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LOCATION:iKonica Art Gallery\, Via N. A. Porpora 16/A\, Milano\, Milano\, 20131\, Italy
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SUMMARY:Milan Art Exhibtion
DESCRIPTION:Come tutti gli anni l’organizzatore riunisce artisti di varia provenienza (Corea\, Giappone\, Slovacchia\, Germania\, Italia\, Francia) che accompagna in un percorso espositivo che vede le proprie tappe a Roma\, Firenze\, Milano e Venezia. \nUna formula questa che trova riscontro da parte degli artisti che hanno l’opportunità di conoscere nuove estimatori del pubblico che ha l’opportunità di entrare in contatto con linguaggi artisti anche molto lontani dalla nostra tradizione.
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LOCATION:iKonica Art Gallery\, Via N. A. Porpora 16/A\, Milano\, Milano\, 20131\, Italy
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SUMMARY:Collettiva 04/BLUE
DESCRIPTION:mostra collettiva a cura di Giacomo Gentilcore. \nL’esposizione presenterà i lavori di 22 artisti\, legati dal comune riferimento del colore blu\, creando un dialogo visivo immediato tra opere di linguaggi e stili anche molto distanti. \nIl vernissage si terrà martedì 1 Settembre alle ore 18:00 presso la sede della nostra galleria in via Nicola Antonio Porpora 16/A.
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LOCATION:iKonica Art Gallery\, Via N. A. Porpora 16/A\, Milano\, Milano\, 20131\, Italy
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SUMMARY:Contemporary Art in Milano
DESCRIPTION:Mostra collettiva internazionale realizzata in collaborazione con la Patricia\nCancelo Art Gallery BCN.\nL’esposizione\, che si terrà dal 10 al 18 luglio\, vedrà il suo momento inaugurale con il\nVernissage di sabato 11 luglio a partire dalle ore 17.30\, con ingresso libero per il\npubblico.\nCurata da Patricia Cancelo\, la mostra offre un affascinante spaccato sull’arte\ncontemporanea globale\, riunendo le ricerche di otto artisti provenienti da diversi\nbackground culturali. Il percorso espositivo si articola attraverso una varietà di\nlinguaggi espressivi e stili\, spaziando dalla pittura alla scultura\, per esplorare le\nmolteplici sfaccettature della creatività odierna.\nSotto la guida critica della curatrice\, l’evento si propone come un punto di\nincontro e di confronto culturale\, dove la pluralità delle voci artistiche si fonde in\nun racconto visivo unico e coerente.\nGli otto artisti protagonisti di questo dialogo visivo sono:\nEkaterina Zag – Neus Pino – Esperanza García – Camilla Fransrud – Carmen\nCarrasco – Enrique Sama – Joanmanel Matas – Priya Selvarasa
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SUMMARY:SALON PRIMO 2026
DESCRIPTION:“Mi ricordo\, nel 1994\, da studente di Brera\, di aver fatto l’esposizione Salon Primo; in\nquesta occasione gli studenti dell’Accademia esponevano per la prima volta in una\nGalleria.\nPresentai i miei lavori allo Studio Invernizzi. Mi ricordo l’emozione\, la tensione ma anche la\nfelicità di quella piccola mostra.\nAdesso\, che dell’Accademia di Brera sono professore di Pittura\, grazie alla diponibilità\ndell’amico Andrea Colombo e della sua iKonica Art Gallery di Milano e con il Patrocinio\ndell’Accademia di Belle Arti di Brera\, ho deciso di ricambiare\, di dare l’opportunità agli\nstudenti più talentuosi e preparati di “rompere il ghiaccio”.\nSono i miei “ragazzi e ragazze”\, con cui abbiamo lavorato per tre anni\, sono bravi\, sono\nseri nel lavoro e hanno talento. Come tutti hanno bisogno di occasioni per emergere e di\nvisibilità.\nDa tempo con Andrea giravamo intorno a questa idea e finalmente i nostri entusiasmi\nhanno generato questa prima iniziativa nel Giugno del 2025 e\, con assoluto piacere\, la\nripetiamo il prossimo venerdì 12 Giugno 2026 al fine di presentare giovani artisti validi\,\navvicinare nuovi collezionisti\, aprire una nuova porta alla pittura\, al dialogo e alla cultura\nin città”
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SUMMARY:SALON PRIMO 2026
DESCRIPTION:“Mi ricordo\, nel 1994\, da studente di Brera\, di aver fatto l’esposizione Salon Primo; in\nquesta occasione gli studenti dell’Accademia esponevano per la prima volta in una\nGalleria.\nPresentai i miei lavori allo Studio Invernizzi. Mi ricordo l’emozione\, la tensione ma anche la\nfelicità di quella piccola mostra.\nAdesso\, che dell’Accademia di Brera sono professore di Pittura\, grazie alla diponibilità\ndell’amico Andrea Colombo e della sua iKonica Art Gallery di Milano e con il Patrocinio\ndell’Accademia di Belle Arti di Brera\, ho deciso di ricambiare\, di dare l’opportunità agli\nstudenti più talentuosi e preparati di “rompere il ghiaccio”.\nSono i miei “ragazzi e ragazze”\, con cui abbiamo lavorato per tre anni\, sono bravi\, sono\nseri nel lavoro e hanno talento. Come tutti hanno bisogno di occasioni per emergere e di\nvisibilità.\nDa tempo con Andrea giravamo intorno a questa idea e finalmente i nostri entusiasmi\nhanno generato questa prima iniziativa nel Giugno del 2025 e\, con assoluto piacere\, la\nripetiamo il prossimo venerdì 12 Giugno 2026 al fine di presentare giovani artisti validi\,\navvicinare nuovi collezionisti\, aprire una nuova porta alla pittura\, al dialogo e alla cultura\nin città”
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SUMMARY:Ritorno alla bellezza | Opere pittoriche di Antonella Iris de Pascale
DESCRIPTION:Via G.Lunati\, 14\, 00044 Frascati (RM) \nAgarte – Fucina delle Arti \nDal 5 al 14 giugno 2026 \nIngresso libero e gratuito \nOrganizzato da: Agarte – Fucina delle Arti \nA cura di: Alessandro Giansanti \nOpere di: Antonella Iris de Pascale \nMostra personale del percorso pittorico maturato durante gli anni dall’artista Antonella Iris de Pascale presentata da Agarte – Fucina delle Arti\, galleria d’arte ed associazione culturale. L’esposizione all’interno dei locali della nuova sede dell’associazione di Frascati è a cura di Alessandro Giansanti. \nComunicato: \nDurante l’evento verranno presentati i lavori pittorici dell’artista insieme ad una selezione di inediti e di tele storiche. Le anime come iconica firma della pittrice segnano una serie sviluppatasi in circa quarant’anni di costante produzione e ricerca (attiva sin dal 1983). L’artista (in arte Iris)\, Firenze classe ‘64\, viene presentata attraverso una sequenza di quadri che ne immortalano lo sviluppo artistico nel corso degli anni. \nLa mostra segna un punto di ritorno da parte dell’artista dopo un lungo viaggiare: dopo la chiusura della terza tappa del progetto e percorso itinerante e monografico dal titolo “Trasformazioni in viaggio” (ispirato dalla serie prodotta durante alcuni viaggi nel mondo in cui l’artista è riuscita a creare opere di contaminazioni tra il Salento e Buenos Aires\, il Marocco e l’Andalusia)\, la Iris de Pascale crea un incontro che parte da una domanda a lei fondamentale.. Oggi cos’è la bellezza? \nLa mostra aprirà venerdì 05 giugno dalle ore 18 fino alle ore 20.30 nella nuova sede di Via G.Lunati 14\, 00044 Frascati (RM) e proseguirà fino al 14 giugno seguendo l’orario di galleria: martedì\, mercoledì\, venerdì\, sabato: 10-12:30/16-19:30\, giovedì e domenica: 10-12:30 (per qualsiasi informazione +39 351 740 5874 – agarte@agarte.it – www.agarte.it).
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LOCATION:Frascati\, Frascati\, Roma\, Italia
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SUMMARY:Ce Sta Sempe Na Via di Roberto Colella
DESCRIPTION:Roberto Colella presenta “Ce Sta Sempe Na Via” a Villa Fiorentino \n​L’esordio solista dell’ex frontman de La Maschera approda a Sorrento tra rinascita ed evoluzione. \n​Sorrento sabato 30 maggio\, la prestigiosa cornice di Villa Fiorentino ospiterà lo showcase e relativo firmacopie di “Ce Sta Sempe Na Via”\, il nuovo attesissimo progetto solista di Roberto Colella. Dopo dodici anni trascorsi alla guida della band napoletana La Maschera\, l’autore\, compositore e polistrumentista intraprende un nuovo percorso artistico\, mettendo a nudo un’anima musicale intima e potente. \n​Il cuore narrativo del disco risiede nel concetto di rinascita\, Colella esplora la metamorfosi dello spirito: dalla solitudine individuale a quella collettiva di un popolo\, dalla passione che consuma a quella che risveglia nuove visioni. L’album si snoda tra ballate delicate e brani energici\, offrendo una pluralità di suoni e atmosfere universali. \n​L’incontro sarà moderato da Mariella Nica e Franco Maresca di Progetti D’autore\, che dialogheranno con l’artista per approfondire la genesi delle canzoni e il significato profondo di questo capitolo da solista. \n​ INFO EVENTO \n\nData: 30 maggio2026\, ore 19:00\nLuogo: Villa Fiorentino\, Sorrento\nIngresso: Libero\nModeratori: Mariella Nica e Franco Maresca (Progetti D’autore)Contatti e Info: 328 200 51 69
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SUMMARY:Kronos Expo 2026 – Summer Edition
DESCRIPTION:L’evento di riferimento per i collezionisti di numismatica e filatelia di qualità. \nSi terrà a Castellammare di Stabia la nuova edizione di Kronos Expo 2026 versione estiva\, una manifestazione di prestigio dedicata alla valorizzazione del patrimonio storico e documentale. \nL’evento rappresenta un punto d’incontro privilegiato per professionisti e appassionati alla ricerca di pezzi rari e materiale per la conservazione delle proprie raccolte. \nL’esposizione\, ospitata presso la sala eventi di Villa Gran Bruro\, offrirà un’ampia selezione nei seguenti settori: \nNumismatica e Filatelia: Monete\, medaglie\, francobolli e documenti di storia postale selezionati per rarità e stato di conservazione. \nStrumenti per il collezionista: Ampio assortimento di cataloghi aggiornati\, raccoglitori di alta qualità e accessori tecnici per la classificazione e la protezione dei vostri beni. \nOggettistica e preziosi: Una sezione dedicata all’oggettistica varia di pregio\, giocattoli\, gioielli vintage e strumenti di scrittura da collezione\, penne stilografiche\, orologi d’epoca. \nProgramma e orari: \nL’ingresso è aperto a tutti con le seguenti date e orari: \nVenerdì 29 maggio: Apertura dalle ore 9\, chiusura alle ore 19 circa (orario continuato). \nSabato 30 maggio: Apertura dalle ore 9\, chiusura alle ore 17 circa. \nLocalità: \nVilla Gran Bruro (Sala eventi) – Via Vecchia Fontanelle n.23\, Castellammare di Stabia (Napoli) \nServizi logistici: \nAl fine di favorire la partecipazione del pubblico\, l’organizzazione garantisce i seguenti servizi: \nIngresso gratuito: Accesso libero all’intera area espositiva per entrambe le giornate. \nParcheggio gratuito: Area di sosta riservata ai visitatori situata nelle immediate vicinanze dell’ingresso. \nVi aspettiamo per condividere l’eccellenza e la passione che da sempre contraddistinguono Kronos Expo. \nUn appuntamento imperdibile per arricchire le vostre collezioni e consultare le ultime novità editoriali e tecniche del settore. \nPer ulteriori dettagli\, si invita a contattare la segreteria organizzativa alla pagina Facebook: ANFC • Associazione Numismatica\, Filatelica e Collezionistica.
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LOCATION:Via Vecchia Fontanelle\, 23 – Castellammare di Stabia\, Via Vecchia Fontanelle\, 23\, Castellammare di Stabia\, Napoli\, Italia
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